Dicono che il cambiamento è l'unica cosa su cui puoi contare. Che si tratti della crescita di una città o dell'evoluzione di un ensemble musicale; senza crescita arriva la morte. Si potrebbe tranquillamente affermare che Kerry Pastine è un architetto di vita, amore, felicità e cambiamento; e con questo bel LP, City of Love, Kerry esplora questi temi con grazia e aplomb. Questo disco è una celebrazione dell'accoglienza della crescita a braccia aperte, mentre allo stesso tempo riconosce i dolori crescenti che possono derivarne. Ha scelto alcuni dei migliori musicisti che si esibiscono oggi per aiutare a realizzare la sua visione musicale e i risultati sono semplicemente mozzafiato. Dalla macinante passeggiata di Goin 'per Broke, alla ventosa ondata di Singapore Downbeat, la scena del crimine pone le basi per Kerry per erigere il paesaggio musicale musicale che ora tieni in mano. Una città la cui architettura è radicata nel passato, ma fa un passo audace nel futuro. Quindi sali e fatti un giro attraverso la Città dell'amore con Kerry Pastine e la scena del crimine.Le canzoni di Kerry Pastine e della scena del crimine dovrebbero essere nei film di Quentin Tarantino. C'è una ferocia negli energici spettacoli dal vivo della band; i musicisti si nutrono chiaramente l'uno dell'altro.I toni vintage oscillano e colpiscono come i primi anni '60 Wanda Jackson in possesso di una giovane Joan Jett come sostenuta dai gatti randagi. CRIME SCENE BAND
Shemekia Copeland non si tira mai indietro. La sua voce immediatamente riconoscibile - capace di essere sensuale, assertiva e ruggente - offre ogni canzone con ineguagliata onestà e passione. La sua visione aperta delle radici americane contemporanee e della musica soul mette in mostra l'evoluzione di un artista appassionato con un approccio musicale e lirico sempre attuale. Con il suo nuovo album di Alligator Records, America's Child, Copeland annuncia con sicurezza un nuovo capitolo elettrizzante nella sua storia in continua evoluzione. Prodotto dalla vincitrice di Strumentale Americana dell'anno The Killrough (che suona anche la chitarra nell'album) e registrato a Nashville, America's Child è una dichiarazione di intenti coraggiosa e infuocata, un importante passo in avanti per la cantante la cui coscienza musicale continua ad espandersi mentre la stella continua a salire.L'America's Child è di gran lunga il lavoro più avvincente di Copeland, con la musica che si gonfia oltre il blues e la vivace Americana, con elementi di rock, soul e country. Dall'anthemica traccia di apertura di America's Child, Ain't Got Time For Hate, alla ninna nanna di chiusura, il tradizionale Go To Sleepy Little Baby, Shemekia canta con passione e intuizione sul caos e l'incertezza nel mondo, pur trovando gioia intorno a lei.Con ospiti come John Prine, Rhiannon Giddens, Mary Gauthier, Emmylou Harris, Steve Cropper, J.D. Wilkes, Al Perkins e membri dei Time Jumpers, il bambino americano scoppia con la spavalderia di Copeland e si abbraccia con la sua tenerezza. Gauthier e il cantautore / produttore esecutivo John Hahn hanno scritto due canzoni sorprendenti per il progetto. Smoked Ham And Peaches è una ricerca di verità e tranquillità in America, con Giddens sul banjo africano. Gli americani celebrano la nostra diversità collettiva in tutte le sue forme e colori. La leggenda della musica americana Prine si unisce a Shemekia per un emozionante duetto sulla sua Great Rain. Il grande chitarrista Cropper aggiunge la sua musica bruciante alla ballata Promised Myself, scritta dal padre di Shemekia, il compianto bluesman Johnny Clyde Copeland. E la sua versione di Non sono come tutti gli altri trasforma la canzone dei Kink in una dichiarazione di indipendenza alimentata dal blues. SHEMEKIA COPELAND
Migiwa Miyajima è stata introdotta sulla rivista Billboard come una delle nuove donne dell'era big band asiatica. Leggi il fantastico articolo di Dan Ouellette: "Come le donne nate in Asia, con sede negli Stati Uniti, stanno inaugurando una nuova era per Big Band". Copre tonnellate di informazioni su come viene trattata la cultura della big band in Giappone.Il percorso di carriera di Migiwa è iniziato a Tokyo su una traiettoria molto diversa: ha lavorato come direttrice di annunci immobiliari, ingegnere informatico e poi caporedattore di una rivista di viaggi. Ma nel 2004, all'età di 30 anni, ha deciso di seguire la sua vera passione: è diventata una musicista. Cinque anni dopo, la Vanguard Jazz Orchestra, un ensemble di New York con una storia lunga più di mezzo secolo, ha riconosciuto il talento di Migiwa e l'ha invitata a produrre il loro tour in Giappone, che ha fatto ogni anno dal 2009 al 2016. Lei è stato produttore associato di due album nominati ai Grammy Award dall'orchestra nel 2011 e 2014.Migiwa è stato finalista per il BMI Charlie Parker Award 2015, nonché per il Concorso internazionale di scrittura di canzoni 2017 - Categoria strumentale. Ha anche ricevuto una borsa di studio dal Brooklyn Arts Council, come co-fondatrice e compositrice del NYJWJC (New York Japanese Women Jazz Composers) MIGIWA MIYAJIMA
Il suono fornito da Itamar è unico. Immerso profondamente nella tradizione del jazz, Itamar cerca le sue radici personali che lo portano a un amore sempre crescente delle sensibilità musicali arabe e panafricane. Vive a New York dal 2006, ha studiato, tra gli altri, con Junior Mance, Charles Tolliver, Jimmy Owens, Cecil Bridgewater e si esibisce regolarmente nei migliori club della città.Dopo l'eccellente album "Boomerang" pubblicato nel 2016, acclamato dalla critica in Francia e in tutto il mondo, Itamar Borochov mostra ancora una volta ciò che può fare meglio: esporre i suoi talenti come melodista esperto e musicista abitato da uno spirito dominante.Come un credente profondo, Borochov lancia anche la sua autenticità nella sua ricerca del "Divino" anche nella musica che offre. Lo intravede in vari contesti, sia sacri che profani.Sebbene il suo passato hardbop possa emergere a volte nella struttura delle sue composizioni, questo nuovo viaggio proposto da Itamar Borochov (tromba), suo fratello Avri (contrabbasso), Rob Clearfield (piano) e Jay Sawyer (batteria) ci trasporta in uno spazio così profondo e così denso che ci troviamo risucchiati da tutte queste chiamate dalla tradizione e da questa musica così moderna.
ITAMAR BOROCHOV
Annunciato come "un punto di riferimento vivente" (Berkeley Express), "un tesoro nazionale" (Guitar Extra) e "uno dei più grandi artisti viventi del blues acustico" (Blues Revue), Rory Block ha impegnato la sua vita e la sua carriera per preservare il La tradizione del blues delta e la fa rivivere per il pubblico del 21 ° secolo in tutto il mondo. Tradizionalista e innovatrice allo stesso tempo, possiede una chitarra infuocata e ossessiva e uno stile vocale che ridefinisce i confini del blues acustico e del folk. Il New York Times ha dichiarato: "Il suo modo di suonare è perfetto, canta in modo ultraterreno mentre lotta con fantasmi, ombre e leggende".Nato a Princeton, New Jersey, Aurora "Rory" Block è cresciuto a Manhattan in una famiglia con tendenze bohémien. Suo padre possedeva un negozio di sandali del Greenwich Village, dove musicisti come Bob Dylan, Maria Muldaur e John Sebastian apparivano tutti occasionalmente. La scena ricca e diversificata del villaggio ha influenzato costantemente la sua sensibilità culturale. Suonava la chitarra all'età di dieci anni e dai suoi primi anni dell'adolescenza era seduta alle jam session della domenica a Washington Square Park.Durante questi anni, la sua vita è stata toccata - e profondamente cambiata - da incontri personali con alcuni dei più antichi e influenti maestri delta blues del XX secolo. Ha fatto frequenti visite al Bronx, dove ha imparato le sue prime lezioni di musica blues e gospel dal reverendo Gary Davis. Scambiava storie e lecca la chitarra con Son House, il bluesman fondamentale, mentore di Robert Johnson ("Continuava a chiedere:" Dove ha imparato a suonare così? ""). Ha visitato Skip James in ospedale dopo l'intervento chirurgico per il cancro. Ha viaggiato a Washington, DC, per visitare il Mississippi John Hurt e assorbire in prima persona.Oggi, dopo oltre venti pubblicazioni acclamate e cinque Blues Music Awards, Block è al culmine dei suoi poteri creativi, portando un mondo pieno di lezioni di vita a sostenere ciò che lei chiama "una celebrazione totale del mio amato strumento e del mio migliore amico , la chitarra." Il suo ultimo progetto, intitolato "The Mentor Series", è una raccolta di album omaggio ai maestri blues che conosceva di persona. "Blues Walkin 'Like A Man / A Tribute to Son House" è seguito da "Shake Em On Down / A Tribute to Mississippi Fred McDowell", "I Belong to The Band / A Tribute to Rev. Gary Davis", Avalon / Un omaggio al Mississippi John Hurt "e alla sua più recente" Hard Luck. RORY BLOCK
Transversales Disques è un'etichetta discografica francese con sede a Parigi,specializzato nel rilascio di nastri perduti da tempo e registrazioni inedite, la ristampa di dischi e colonne sonore rare.Nato Farrell Sanders, inizia la sua carriera suonando il sax tenore in California, ad Oakland. Si trasferisce a New York nel 1961. Lì suona con Sun Ra da cui riceve il nome d'arte Pharoah, in qualche caso indicato come Pharaoh, (=Faraone). Sale alla ribalta nel 1965, anno in cui entra nella band di John Coltrane, iniziando a sperimentare con quella musica che successivamente sarà conosciuta come free-jazz. Sempre nel 1965 registra con 'Trane Ascension, opera manifesto del free-jazz, oltre che Meditations. Partecipa nel 1968 all'incisione di Communications, album della JCOA: Jazz Composer's Orchestra Association di Mike Mantler e Carla Bley nel quale suona, usando le parole di John Zorn, "il più intenso e illuminante solo di sax tenore mai registrato". Ornette Coleman stesso lo "proclama" il miglior sax tenore al mondo.Nel 1969 pubblica per la casa discografica Impulse! Records il suo album di maggior successo, Karma, che riscosse particolare gradimento di pubblico grazie alla presenza del brano The Creator Has a Master Plan, ripreso in seguito da numerosi artisti (Louis Armstrong in testa).Pharoah Sanders è noto per il suo stile ricco di suoni violentissimi ed estremi e per l'utilizzo della tecnica "Sheets of Sound". TRANSVERSALES DISQUES
Caron Nimoy "Sugaray" Rayford è un cantautore e blues elettrico americano. Fino ad oggi ha pubblicato cinque album e gli è stato assegnato un Blues Music Award. L'ultimo album dei Rayford, Somebody Save Me, è stato nominato per un Grammy Award nella categoria Best Contemporary Blues Album.Segna l'ultimo di una serie di onorificenze assegnate a Rayford solo nell'ultimo anno, tra cui cenni per "Soul Blues Male Artist of the Year" al 40 ° Blues Music Awards, una coppia di Muddy Awards 2019 per "Best Performance" e "Best Registrazione "e una vittoria per" Best Blues di Blues Blast.I riconoscimenti seguono anche un flusso di complimenti critici. Downbeat ha definito Rayford un esecutore con "una voce soul-blues che ha una forza emotiva". L'albumismo ha entusiasmato "Un suono innegabilmente fresco e ispirato. Living Blues lo ha salutato come "un cantante soul che intreccia brillantemente blues, jazz e inflessioni gospel nelle sue canzoni impennate". Blues Music Magazine ha concordato, descrivendo Somebody Save Me come "una straordinaria vetrina del grande talento di Sugaray Rayford"."Mi sento solo benedetto", ha detto Rayford in risposta alla sua nomination ai Grammy. "Non posso credere che questo possa mai accadermi."Lo stesso Rayford potrebbe essere meglio descritto da questo testo di "The Revelator", la traccia di apertura del nuovo album: "Sono un mostro della natura / Non sono un ape / Sono una creatura sconosciuta / Come non hai mai fatto visto." In effetti, a 6'5 "e 300 sterline, questo sigaro che chiacchiera l'ex Marine canta con una voce che si manifesta come una forza della natura. La sua personalità magnetica e l'approccio vocale della vecchia scuola ricordano leggende come Muddy Waters, Otis Redding e Teddy Pendergrass, affascina il suo pubblico con movimenti di danza che ricordano il leggendario James Brown. SUGARAY RAYFORD
Scoperto dal noto collezionista di dischi e storico della musica DJ Amir, BBE Music presenta la prima ristampa in assoluto del raro album di fusione jazz del 1978 "The Jupiter Effect" di The Larry Rose Band.Registrato ad Amsterdam da un quintetto di giocatori olandese / americano, pubblicato sull'eclettica etichetta olandese Crossroad, "The Jupiter Effect" era l'unica offerta del polistrumentista Larry Rose e della sua band.Dopo essersi esibito in vari gruppi, in particolare The Liquid Blues Band, che presentava Lex Silva al basso e Clay Cotton al B3 (questi due avrebbero continuato a suonare rispettivamente con John Lee Hooker e Charlie Musslewhite), una giovane Larry Rose abbandonò il college e comprò un biglietto di sola andata per l'Europa, dove trascorse i prossimi anni ad Amsterdam come avventuriero musicale, scambiando lezioni di chitarra in affitto e vivendo i suoi sogni.Alla fine del 1975, Larry incontrò il cantautore americano Stanley Davis e formò la Larry Rose Band. Nella loro prima iterazione, il gruppo ha suonato cover di rock'n'roll in Olanda e Germania, fino a quando Larry e Stanley si sono separati nel 1977 per creare il loro materiale dai toni jazz con i nuovi membri Toon Janssen (batteria / percussioni) e Theo van Halen ( sassofoni). Quando il vecchio amico di Larry, il cantante americano Paul Pinto visitò Amsterdam nel '78, la band lo invitò a unirsi a loro in studio per registrare il loro primo (e quello che sarebbe stato il loro unico) album, The Jupiter Effect.In questo album speciale, sono esposte le innumerevoli influenze e ispirazioni di The Larry Rose Band, dal blues al rock fino al jazz e oltre, tutte interpretate da un gruppo di giovani musicisti di talento abbagliante, induriti dalla strada e all'altezza dei loro poteri. LARRY ROSE BAND
Jazz Sabbath (1968) era considerato in prima linea nel nuovo movimento jazz inglese. Il loro omonimo album di debutto sarebbe stato pubblicato il 13 febbraio 1970, ma il 12 febbraio il membro fondatore e pianista Milton Keanes fu ricoverato in ospedale con un grave attacco di cuore; lasciandolo in lotta per la sua vita. La casa discografica ha archiviato l'album e ha annullato l'uscita programmata per incertezza finanziaria di pubblicare un album di debutto da una band senza il suo leader musicale.Quando Milton fu rilasciato dall'ospedale nel settembre 1970, scoprì che una band di Birmingham, convenientemente chiamata "Black Sabbath", da allora aveva pubblicato due album contenenti le cosiddette versioni metal delle sue canzoni. I suoi album ricordati erano stati distrutti in un incendio del magazzino nel giugno 1970; lasciando solo alcuni nastri bootleg delle esibizioni dal vivo di Jazz Sabbath come prova dell'esistenza.I nastri master, che si ritiene siano andati persi nel fuoco, sono stati trovati l'anno scorso. Queste canzoni saranno finalmente ascoltate; dimostrando che la band heavy metal venerata da milioni non è in realtà altro che ciarlatani musicali, rubando la musica da un genio costretto a letto, ricoverato in ospedale. JAZZ SABBATH
